Histoire de l'art

31 termes artistiques à connaître pour décrire (votre) art

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Un glossaire d'histoire de l'art pour les artistes

Tout artiste visuel sait qu’il n’a pas à dire un mot pour décrire son art. Bien sûr, laissez l'art parler de lui-même. Mais cela ne fait pas de mal d'avoir un glossaire de termes artistiques qui pourraient être appliqués à une œuvre d'art donnée. C’est pourquoi nous avons compilé un glossaire de l’histoire de l’art du vocabulaire incontournable à utiliser pour décrire l’art. Il vous sera utile lorsque vous serez au musée ou que vous regarderez le dernier documentaire d'art ou que vous décrivrez vos propres peintures et dessins.

Abstraction

Également connu sous le nom d'art non représentatif ou non objectif. L'apogée de l'abstraction a été le début du XXe siècle et les artistes qui utilisent l'abstraction éloignent les formes visuelles du monde «réel» par la simplification, la stylisation ou la distillation des formes. Le langage de l'abstraction est le langage de la couleur, de la texture, du geste, de la ligne et de l'échelle pour n'en nommer que quelques-uns. Des artistes comme Jackson Pollock ont ​​caractérisé le mouvement artistique expressionniste abstrait.

Unsplash

Alla prima

Un terme italien traduit directement par «à la première tentative» mais dans le monde de l'art est connu comme une technique de peinture à l'huile dans laquelle l'artiste peint d'un seul coup ou mouillé sur mouillé. La technique nécessite que l'artiste travaille rapidement et de manière décisive avant que la peinture de surface ne sèche. Aussi appelé peinture directe et les résultats ont tendance à être décrits comme audacieux, expressifs et picturaux.

Allégorie

En littérature, une allégorie est une métaphore étendue dans laquelle des idées abstraites, souvent liées à un sens moral ou politique, sont véhiculées par le langage et la narration. En art, une allégorie est véhiculée par l'imagerie et cette imagerie prend un sens symbolique. Par exemple, Sandro BotticelliPrimavera est une peinture allégorique sur l'arrivée du printemps et le passage du temps. Fait intéressant, de nombreux artistes, dont Jan Vermeer et Artemisia Gentileschi, ont peint des allégories de la peinture, étendu les métaphores sur la nature, les préoccupations et les influenceurs des artistes et de leur travail.

Appropriation

L'acte de prendre, dans ce cas, des œuvres d'un autre artiste et de les replacer dans un nouveau contexte. Habituellement, cela se fait sans la permission de la personne dont l'idée originale est venue. Il en résulte une recontextualisation de l '«ancienne» œuvre et la création d'une «nouvelle» œuvre d'art. Les artistes et les avocats se disputent là où la ligne d'appropriation autorisée est tracée, mais généralement l'appropriation complète est méprisée tandis que citer ou riffer une œuvre est acceptable dans le monde de l'art et remonte à des siècles.

Avant-garde

Un terme français qui signifie «avant-garde». C'est un terme qui peut être appliqué aux artistes et aux œuvres d'art ainsi qu'aux mouvements artistiques dans leur ensemble. Il s'agit généralement d'une expression de remplacement pour l'art qui est expérimentale, inhabituelle et avant-gardiste.

Pinceau

Si vous regardez une peinture, vous regardez probablement un objet fabriqué à l'aide d'un pinceau. Il existe une variété de techniques de pinceau que les artistes ont utilisées et ont évoluées au fil des siècles afin de manipuler et d'appliquer de la peinture, notamment le grattage, le glissement et le pointillé, entre autres. Il fait également référence à la taille, la forme et la texture des traits.

Clair-obscur

Un terme italien qui signifie «clair-foncé» et qui est généralement appliqué lorsqu'il y a un contraste dramatique fort de lumière et d'obscurité dans une peinture ou un dessin. Les artistes utilisent le clair-obscur pour créer un sentiment convaincant de volume et de dimensionnalité dans leur travail. La photographie peut être décrite avec le terme, mais elle renvoie à l'origine aux Renaissances et aux œuvres du Caravage, de Rembrandt et de Léonard de Vinci.

Crucifixion de Saint-Pierre par le Caravage

Théorie des couleurs

Pendant des siècles, les artistes ont organisé, réorganisé et établi des règles concernant la perception et le mélange des couleurs. De nos jours, les étudiants en art apprennent la roue des couleurs; couleurs primaires, secondaires et tertiaires; et les relations de couleurs ou les effets visuels des combinaisons de couleurs.

Composition

Le terme s'applique largement à la façon dont les éléments d'une œuvre d'art sont organisés. Certaines stratégies de composition existent depuis des centaines d'années comme le Golden Mean et la Rule of Thirds.

Contrapposto

Un terme italien qui signifie contrepoids et décrit quand le poids d'une figure humaine est plus équilibré sur une jambe que sur l'autre, entraînant des épaules et des bras hors axe par rapport aux hanches et aux jambes. La position est la plus célèbre dans la sculpture et remonte aux âges classiques.

Le contrapposto de David Donatellos en bronze clairement affiché dans ces trois vues de la sculpture.

Distorsion

En peinture et en dessin, la distorsion signifie changer l'apparence visuelle d'une figure ou d'un objet - tirer, tordre, étirer et changer quelque chose à des fins expressives.

Art figuratif

Il s'agit généralement d'un terme principalement appliqué aux peintures ou aux sculptures. Plus précisément, cela signifie que l'œuvre est représentative, contrairement à l'art abstrait.

Genre

Un terme avec une histoire déroutante dans les arts visuels. Historiquement, cela signifiait une peinture d'une personne ou de personnes dans des situations quotidiennes qui n'étaient tout simplement pas identifiées. Mais il englobe également la peinture de nature morte, la peinture animale et la peinture de paysage et marine.

Vitrage

Les premiers maîtres tels que Rembrandt ont appliqué plusieurs couches de peinture transparente pour produire les teintes profondes et éclatantes qui sont venues caractériser leur travail, selon l'auteur Michael Wilcox du best-seller des techniques de peinture,Vitrage. Selon Wilcox, les ténèbres bouillonnaient de couleur cachée. La gamme de teintes riches employées par ces premiers peintres a donné une profondeur et une intensité mystérieuses à leur travail, une richesse et une luminosité que seules les techniques de vitrage peuvent donner.

Impressionnisme

L'impressionnisme était le mouvement artistique du 19e siècle connu des artistes qui produisaient des peintures de scènes de tous les jours, peintes avec des coups de pinceau petits mais visibles, en mettant l'accent sur la représentation précise de la lumière et de sa nature changeante.

Impression, soleil levant de Claude Monet

Média mixtes

Une œuvre d'art dans laquelle plus d'un support ou matériau a été incorporé est décrite comme un média mixte. L'assemblage et le collage sont des formes d'art mixtes populaires.

Motif

Un motif est un élément, un motif ou un dessin dans une œuvre d'art qui est souvent utilisé à plusieurs reprises. Un artiste peut également utiliser un motif encore et encore dans une œuvre et même tout au long de sa carrière.

Récit

En substance, la narration est une narration visuelle. Dans la peinture et le dessin, les images sont statiques, de sorte que les artistes ont au fil du temps mis au point des stratégies pour faire face à cette réalité, allant de la représentation de scènes uniques d'une histoire à plusieurs scènes (dans lesquelles les personnages apparaissent plus d'une fois) ou un panoramique, dans lequel plusieurs événements se déroulent dans une seule scène.

La perspective

Il existe deux principaux types de stratégies de perspective pour donner un aspect tridimensionnel aux formes bidimensionnelles.Perspective linéaire transmet l'illusion de l'espace avec des lignes parallèles en retrait se rencontrant en un point de fuite.Perspective atmosphérique aborde la distance en changeant les tons de couleur et le niveau de détail utilisé pour peindre ou dessiner un objet.

Photoréalisme

Le genre ou mouvement artistique qui englobe la peinture et le dessin qui reproduisent les images de la manière la plus réaliste possible. C'est aussi le terme utilisé pour désigner un groupe d'artistes américains qui ont peint de cette manière dans les années 1960 et 1970, dont Chuck Close.

Plein air

L'acte de peindre à l'extérieur dans la ville ou le paysage plutôt que de créer de l'art dans un studio. C'est un terme français et le plus pertinent pour le travail des artistes de la Barbizon School, de la Hudson River School et des impressionnistes. Aujourd'hui, de nombreux artistes contemporains s'identifient comme des peintres en plein air, des artistes qui peignent principalement ou exclusivement à l'extérieur.

Artistes esquissant dans les montagnes blanches par Winslow Homer

Proportion

La relation à la taille entre un élément et un autre ou entre un élément et une œuvre entière. Pour rendre une œuvre d'art plus réaliste, certaines plages de proportions doivent être respectées et codifiées, ce qui signifie qu'il existe des règles (remontant jusqu'à Durer) qu'un artiste peut apprendre. Jouer avec ou modifier les proportions permet à un artiste de s'éloigner du réalisme vers un territoire plus expressif.

Le réalisme

Souvent aussi appelé naturalisme. De manière générale, il s'agit de la tentative d'un artiste visuel de tenter de représenter de manière réaliste des personnes, des lieux et des objets. Cela signifie éviter la stylisation et l'artificialité.

Échelle

La taille des objets ou des objets représentés en relation les uns avec les autres. La taille a un impact sur le sens et l'expression. Les artistes utiliseront l'échelle pour transmettre l'importance ou la signification. Considérez les miniatures par opposition aux objets de taille réelle à surdimensionnés.

Sfumato

Une technique de peinture qui décrit la transition douce entre les couleurs. leMona Lisa, sans doute le tableau le plus célèbre de tous les temps, est un exemple clé de sfumato, qui dérive du mot italien pour fumée. Leonardo da Vinci l'a décrit comme: "sans lignes ni frontières, à la manière de la fumée ou au-delà du plan de focalisation." En anglais, cela signifie des bords et des lignes adoucis ou flous lorsqu'ils sont appliqués à des œuvres d'art.

Symbolisme

Les symboles peuvent être personnels mais historiquement ils se réfèrent à des références largement acceptées et comprises. En peinture ou en dessin, cela s'applique aux références visuelles, généralement des objets qui représentent des idées ou des significations. Les symboles peuvent être religieux, politiques ou culturels. Certains artistes contemporains n'opèrent que dans les limites de symboles qu'ils créent souvent eux-mêmes - leurs propres langages visuels pour ainsi dire. Lorsqu'une œuvre concerne tout ou presque la conversation qui a lieu entre les symboles, le résultat est une allégorie.

Texture

En peinture, il y a tellement de façons dont la texture peut et a été manipulée. Des artistes européens historiques ont créé des peintures avec des surfaces vitreuses et sans texture. Les peintres modernes ont adopté la texture, qu'elle permette à la peinture de s'infiltrer dans une surface ou de s'y accumuler. Impasto est le processus ou la technique d'application épaisse de peinture sur une surface.

Thème

Une idée globale qu'une œuvre d'art ou un ensemble d'œuvres véhicule. Un artiste peut transmettre un thème de plusieurs façons - avec un symbolisme, avec une échelle et une proportion, avec des aspects formels de leur poursuite comme la couleur, la ligne et la texture.

Trompe l’oeil

La trahison des images en effet! Il s'agit d'un terme français pour «tromper l'œil» et est appliqué aux techniques de peinture utilisées pour créer une illusion d'optique de la réalité, en utilisant des techniques de perspective et des dispositifs tels que la rupture du plan de l'image, de sorte qu'un objet semble sortir de la surface. d'une peinture.

La trahison des images par René Magritte

Sous-peinture

La technique de peinture consiste à créer une version monochrome d'une image, puis à la laisser sécher. Ensuite, un artiste utilise des couches de peinture transparentes et semi-transparentes connues sous le nom de glaçures pour continuer la peinture, tout en permettant aux parties de la sous-peinture de passer à travers, augmentant l'illusion de profondeur d'une peinture.

Valeur

La légèreté ou l'obscurité d'une couleur ou d'une teinte. De nombreux artistes soutiennent que la valeur est l'aspect le plus important d'une peinture réaliste - plus important que la couleur elle-même.


Voir la vidéo: Cest quoi le beau? par Le Turk (Mai 2022).


Commentaires:

  1. Makkapitew

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  2. Bean

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