Histoire de l'art

Apprenez de 5 des plus grands aquarellistes

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Liens créatifs qui unissent les maîtres de l'aquarelle

Lorsque vous commencez à explorer l'art de la watermedia, il est tellement utile de regarder d'abord vos maîtres aquarelleurs! Apprendre comment les artistes vraiment réussis et qualifiés font leur truc est comme une route de brique jaune pour vous. Vous trouvez votre chemin en suivant leur chemin.

Inspirez-vous, car bien sûr, le travail est beau, et apprenez également comment ils exécutent des techniques plus compliquées. C'est une façon amusante et facile de s'adonner à votre amour pour l'art et d'en apprendre davantage sur un médium qui a inspiré les artistes pendant des siècles.

Et lorsque vous êtes prêt à entreprendre votre prochain projet d'art aquarelle, pourquoi ne pas vous concentrer sur l'un de nos sujets préférés - les tournesols? Avec la peinture à l'aquarelle avec Vinita Pappas - Sunshine on Sunflowers Video Download, vous explorerez les techniques d'aquarelle de base et créerez une belle peinture de tournesol joyeuse! Prendre plaisir!

Courtney

Winslow Homer

PeintreWinslow Homer (1836–1910) est largement considéré comme l'un des plus grands artistes et maîtres aquarellistes américains de son temps. Il a commencé comme illustrateur pour Harper’s Weekly, l'une des publications les plus populaires de la journée. Il a principalement représenté la vie quotidienne, répondant aux changements sociaux et politiques à travers son art.

En 1861, l'artiste est envoyé par Harper's aux premières lignes de la guerre civile, où il esquisse des scènes de la vie militaire. Cela l'a inspiré plus tard à créer une série de peintures sur ce sujet et a marqué son tour d'illustrateur à peintre.

En 1873, il commence à travailler l'aquarelle, mettant de côté l'illustration pour devenir l'un des maîtres du médium. Outre un bref passage en tant qu'apprenti du lithographe John H. Bufford et quelques leçons à la National Academy of Art de New York, Homer était en grande partie autodidacte. Des voyages en Angleterre et en France l'ont inspiré à changer son sujet en paysages.

Un grand influenceur

Homer a été l'un des premiers artistes à influencer Andrew Wyeth, qui est devenu l'un des aquarellistes les plus célèbres d'Amérique. «Homer m'a conduit à autre chose. J'ai obtenu une direction qui était authentique pour moi et pour ce que je ressentais », dit-il dans le catalogue Andrew Wyeth: Aquarelles anciennes, (Currier Museum of Art, Manchester, New Hampshire).

De nombreux autres aquarellistes contemporains conviennent que regarder le travail d'Homère peut offrir beaucoup à un artiste débutant. Jane Angelhart, une artiste-instructrice qui enseigne l'aquarelle, a récemment dirigé un atelier dans lequel elle a montré le travail des maîtres anciens pour aider les élèves à acquérir de nouvelles compétences.

Homer est l'un de ses meilleurs exemples, et elle dit qu'elle a même copié une de ses pièces pour sa propre édification. «J'ai appris une variété de coups de pinceau en copiant son travail - j'ai littéralement essayé de copier chaque coup qu'il a fait. J'ai été stupéfait par les différentes couleurs qu'il a utilisées juste pour représenter un visage éclairé par l'ombre. »

Homer travaillait souvent en série, se concentrant sur des thèmes spécifiques et expérimentant différentes techniques. Ses peintures populaires représentant des garçons dans des chaloupes employaient des lavis saturés de couleurs et dépeignaient brillamment la lumière se reflétant sur l'eau.

Spontané mais assuré

«La leçon la plus importante que j'ai tirée du travail d'Homère a été sa lumière», explique l'artiste Linda Erfle. "Il a augmenté l'intensité de ses contrastes tonaux en peignant une lumière vive sur l'eau." Les aquarelles d'Homère sont également connues pour leur pinceau lâche; sa tendance à remplir le cadre avec de grandes zones de lavage fréquemment effacées, grattées ou accentuées de fleurs ou d'autres filigranes; et son utilisation de la brosse sèche au premier plan pour révéler la texture de la surface du papier.

«Winslow Homer a incorporé un pinceau spontané mais confiant qui guide le spectateur à travers le tableau comme s'il s'agissait d'une œuvre musicale», explique l'artiste Shanna Kunz. "L'étude de son travail, ainsi que celui d'autres maîtres, m'a aidé à trouver ma propre voix, et je suis sûr que la même chose peut être dite pour des milliers d'artistes avant moi."

John Singer Sargent

John Singer Sargent (1856–1925) était l'un des portraitistes les plus populaires de son époque, mais il a également laissé un héritage qui comprenait 900 peintures à l'huile et environ 2 000 aquarelles. En 1900, il se tourna vers l'aquarelle, ce qui faisait partie de son désir d'élever le médium et de prouver que les aquarelles étaient des peintures finies à part entière.

Pour l'artiste, l'aquarelle était une échappatoire à ses commandes de portraits, et lors de ses voyages internationaux, il enregistrerait des paysages étrangers dans son nouveau médium préféré. «Je trouve Sargent motivant non seulement pour sa technique, mais pour la diversité des sujets qu'il a choisi de peindre», explique Erfle. "Il est le maître aquarelliste le plus important", fait écho à Angelhart. «Il a peint des sujets sans vraiment les peindre», explique-t-elle, citant la peinture Alligators boueux par exemple. "Dans cette pièce, il a peint la zone autour des crocodiles et a ajouté quelques taches de couleur d'ombre - c'est incroyable, et une grande leçon pour chaque artiste."

Quel coup de pinceau

C’est le sentiment de spontanéité de Sargent dans l’aquarelle que les artistes peuvent apprendre; sa capacité à éclabousser la peinture avec facilité puis à cristalliser en quelques traits les marques en une composition achevée inspire toujours les artistes aujourd'hui. Il est tout aussi important de noter que ce style apparemment lâche reposait sur une base solide: un sous-dessin en graphite, qu'il utilisait pour placer les figures centrales et les grandes formes.

À l'instar de sa technique de travail à l'huile, l'artiste a recouvert sa surface de couleurs après avoir sécurisé son dessin, puis a éclairci les zones pour produire des lumières et des tons, qu'il a utilisés pour développer ses formes. Il a utilisé divers outils pour réaliser ses lumières, du crayon de cire aux éponges pour éponger. Bien que Sargent ait fourni peu de documentation sur ses méthodes, chaque pièce qu'il a laissée offre un aperçu d'un artiste qui a rendu son sujet avec le plus grand soin et habileté.

Childe Hassam

Peintre américain Childe Hassam (1859-1935) a commencé sa carrière d'aquarelliste et d'illustrateur et est devenu un partisan de l'impressionnisme après avoir fait plusieurs voyages en France pendant son jeune âge adulte. Il a ramené les compétences qu'il a développées en Europe à New York, où il est devenu l'un des premiers peintres impressionnistes et maîtres aquarellistes de la ville de l'époque.

En regardant son travail, on peut voir l'artiste mûrir avec le temps, décoller des éléments superflus pour permettre à sa vision de prendre le devant de la scène. Sa première peinture illustre l'approche de Barbizon: une palette relativement sourde de tons clairs et chauds avec une superposition de couleurs plus sombres utilisées pour la modélisation et l'ombrage. Plus tard, l'artiste devient plus intuitif et applique des couleurs en traits larges et épais, qui peuvent être vus dans des peintures telles que The Gorge, Appledore.

Apprenez de chaque marque

Les artistes peuvent apprendre beaucoup en visionnant le travail de Hassam. Il est connu pour ses couleurs riches et son pinceau audacieux, et sa concentration sur la capture de la lumière et des couleurs, inspirée de l'impressionnisme français. Sa pièce The Brush House est une composition simple - une maison entourée d'arbres - mais c'est son utilisation de l'aquarelle qui attire le spectateur. L'artiste s'est concentré sur les ombres sur le toit, en utilisant diverses techniques pour créer un effet multicouche.

Dans certaines zones le long de la façade du bâtiment, il a laissé transparaître le blanc du papier pour indiquer des taches de soleil; pour créer des ombres profondes, il a superposé la peinture humide dans humide dans certaines zones. La même chose peut être vue dans Maison générale Lee, Richmond, dans lequel un simple dessin au graphite est toujours visible sous différentes couches de peinture.

Hassam a peu mélangé la peinture de cette pièce, un peu comme The Brush House, et chaque trait est visible, des marques les plus légères aux traits les plus fortement saturés. Les générations ultérieures d’artistes peuvent voir la main du maître à l’œuvre et apprendre de chaque marque.

Maurice Prendergast

Comme les artistes susmentionnés, Maurice Prendergast (1859-1924) a travaillé dans d'autres médias en plus de l'aquarelle. Cependant, contrairement à Homer, Sargeant et Hassam, l'aquarelle a toujours été le principal médium de l'artiste, et il n'était pas très intéressé par l'accent impressionniste sur l'atmosphère et l'humeur - bien qu'il ait étudié brièvement à Paris à un moment où le mouvement s'était fermement installé. .

Les peintures de Prendergast montrent sa préférence pour la création de motifs dynamiques de couleur sur sa toile. Son sous-retrait servait à bloquer les formes de base et ne fournissait pas beaucoup de détails, comme on peut le voir dans la pièce, Le centre commercial, Central Park. Comme Hassam, Prendergast a laissé transparaître le blanc du papier pour indiquer les vêtements sur les personnages et les taches de soleil.

Poussée d'eau

Les couleurs de Prendergast sont appliquées de manière claire et audacieuse, et les formes simples de ses figures mettent cela en évidence. Les artistes peuvent apprendre de son exemple comment appliquer l'aquarelle sans obtenir de mélanges boueux et comment créer des motifs de couleurs attrayants.

«En copiant un Prendergast, j’ai appris comment il utilisait l’eau pour« pousser »des flaques de pigments sur le périmètre de ses petits parapluies», se souvient Angelhart. «J'ai été intrigué par la façon dont il a parfaitement doublé le bord du parapluie dans une version légèrement plus sombre de la couleur de base du parapluie. J'ai compris qu'il avait peint une tache, puis laissé tomber de l'eau au centre pour pousser le pigment sur les bords. »

Dans cette pièce, on peut également voir comment l'artiste a soigneusement placé les figures pour indiquer le rythme naturel et le mouvement des foules, ainsi que la création de divers accents de couleurs (comme les touches de rose rougeâtre dans les parapluies et les vêtements).

De loin, la pièce est cohérente et les valeurs de couleur sont claires; en y regardant de plus près, on peut voir que l'artiste a utilisé des coups de pinceau individuels prudents qui, placés côte à côte, ont créé une valeur intéressante et des contrastes de couleurs. Parce que ses dessins sont simples, on peut se concentrer uniquement sur le mélange et l'application des couleurs, ce qui peut souvent être très délicat lorsque l'on travaille à l'aquarelle.

Albrecht Dürer

Peintre, graveur et mathématicien allemand Albrecht Dürer (1471-1528) est surtout connu pour ses gravures, et il était connu comme l'un des plus grands peintres de la Renaissance en Europe du Nord. Cependant, il a également créé des centaines d'aquarelles qui ont inspiré des artistes au fil des ans. Un des premiers maîtres du médium, l'artiste a principalement rendu la nature.

«Sa peinture Le grand gazon était une étude d'aquarelle petite mais puissante », explique l'artiste Greg Mort. «Il a parlé de la pièce en termes poétiques et ses sentiments transparaissent dans l'œuvre. Cette pièce et l'aquarelle tout aussi célèbre Un jeune lièvre ne sont pas ce que l'on considère comme des aquarelles «traditionnelles», en grande partie à cause de leurs surfaces finement rendues. Pourtant, ils étaient essentiels à ce qui devait être la montée progressive du médium de l'étude aux chefs-d'œuvre finis et polis. »

Frisson du réel

En effet, les aquarelles de Dürer ont été créées à une époque où le médium était principalement utilisé pour des études, et il l'a utilisé pour enregistrer ses sensations visuelles de la nature. Ce qui rend ses aquarelles si extraordinaires, c'est que l'artiste possède la capacité de combiner une réponse spontanée à la nature avec une compétence technique qui lui permet de représenter avec précision ses formes complexes.

Dürer était d'abord et avant tout un dessinateur, et ces compétences ont enrichi ses aquarelles. "Je pense que Dürer est très important pour un artiste débutant à explorer aujourd'hui parce qu'il reste avec le fondamental, qui est le dessin", explique l'artiste Gary Akers. «Je commence chaque aquarelle par un dessin, et je considère l'utilisation de la brosse sèche comme une extension du dessin.»

Akers pense également que Dürer est à l'origine de la méthode du brossage à sec, et cite Un jeune lièvre par exemple. «C'est incroyable la façon dont il a fait la texture de la fourrure, tissant la surface du pelage du lièvre. Je suggère fortement aux aquarellistes débutants d'étudier le travail de Dürer. »


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